Պատմության Podcasts

Արտիստի նախագիծը. Pre -Columbian Gold - Teresita Fernández

Արտիստի նախագիծը. Pre -Columbian Gold - Teresita Fernández



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

Թերեզիտա Ֆերնանդեսը Պերկոլումբիական ոսկու վրա

«Մենք գիտենք, որ սա մեծություն է ներկայացնում, և, այնուամենայնիվ, մենք ունենք ընդամենը մի քանի օրինակ այն մատնանշելու համար»:

The Artist Project- ը 2015 թվականի առցանց շարք է, որում մենք արվեստագետներին հնարավորություն ենք տալիս արձագանքել մեր հանրագիտարանային հավաքածուին:


Անհանգիստ վայր. Հարցազրույց Թերեզիտա Ֆերնանդեսի հետ

Ֆատա Մորգանա, 2015. Տեղադրման տեսք: Madision Square Park, Նյու Յորք
2015-2016թթ. © Teresita Fernández. Լուսանկարը ՝ Էլիզաբեթ Բերնշտայն: Նկարչի ՝ Լեման Մաուպինի, Նյու Յորքի և Հոնկոնգի և Էնթոնի Մայերի կերպարվեստի, Սան Ֆրանցիսկոյի շնորհիվ:

ՏԻր քանդակների, գծանկարների և տեղադրման աշխատանքների միջոցով նկարչուհի Թերեզիտա Ֆերնանդեսը հետևողականորեն ընդլայնում է բնապատկերի սահմանումը ՝ տեղանքի պատկերացումները տեղափոխելով հայեցակարգային տիրույթ, որը միաժամանակ հրապուրում և մարտահրավեր է նայում դիտողին: Հարցը Որտեղ եմ ես? ուռչում է Ի՞նչ պատահեց այստեղ:, Ո՞վ է եղել այստեղ ինձանից առաջ:ավելի մետաֆիզիկականի կողքին Ինչպե՞ս է իմ ներկայությունը սահմանում այս վայրը և դրա փորձը:

Լինդսի Դևիս. Դուք ասել եք, որ «բնապատկեր» բառը հաճախ օգտագործվում է ծուլորեն: Ես ձեր աշխատանքը տեսնում եմ որպես քանդակագործական բնապատկերների ստեղծում, մեկը `ՀՈAND -ի վրա շեշտադրմամբ և« տեսարանով, որը պահանջում է մարմիններ շարժվել դրա շուրջ և դրա շուրջը »: Ինչպե՞ս եք տեսնում ձեր աշխատանքը, որն օգտագործում է լանդշաֆտի ավանդական պատկերացումները, և ինչպե՞ս եք տեսնում, որ այն աշխատում է այդ նույն հասկացությունների դեմ:

Թերեզիտա Ֆերնանդես. Ես հեռանում եմ լանդշաֆտի շատ հաստատված գաղափարներից, բայց նաև կասկածի տակ եմ դնում դրանք և փորձում եմ տրամադրել ոսպնյակների շատ տարբեր շարք `ընդլայնելու« լանդշաֆտ »բառի նշանակությունը: Եվ այսպես, երբ ես ասում եմ, որ այն օգտագործվում է ծույլ ձևով, նշանակում է, որ հատկապես Արևմուտքի համար մենք այդ բառը նշանակում ենք ավանդական պատկերազարդում, որը գալիս է եվրոպական բնանկարչությունից և/կամ ամերիկյան բնանկարչությունից: Եվ այսպես, դա շատ սահմանափակ հասկացություն է, թե որն է լանդշաֆտի գաղափարը, մանավանդ, եթե նայեք ոչ արևմտյան ավանդույթներին, և ոչ միայն ավանդույթներին, այլև հասկացություններին, թե ինչ են վայրն ու լանդշաֆտը: Դա բոլորովին այլ լեզու է, և բոլորովին այլ տեղեկատուների հավաքածու ՝ հասկանալու տեղի և սեփական տեղադրման այս գաղափարը ՝ որպես ընդլայնում:

Կույր երկիր (կանաչ հայելի), 2013. layersշգրիտ կտրված չժանգոտվող պողպատի երկու շերտ ՝ 46,5 x 70,5 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչ և Լեման Մոուպին, Նյու Յորք և Հոնկոնգ:

ԼԴ. Ձեր քանդակների անթրոպոմորֆիզմը, կարծես, ֆանտաստիկ զգացում է հաղորդում ձեր աշխատանքին, ասես նրանք մեր մոլորակի նման այլ մոլորակից են, կամ որ մեր աշխարհի տարրերը դիտվում են ցածր շքեղության պրիզմայով: Կա՞ որևէ հատուկ վայր, որտեղ դուք հույս ունեք, որ ձեր աշխատանքը տեղափոխում է դիտողներին, կամ որևէ զգացում, որը հուսով եք, որ տալիս է նրանց:

TF. Ավելի քան որոշակի զգացում, այն արձագանքը, որը ես ամենից շատ գնահատում եմ դիտողի մոտ, մտերմություն է: Եթե ​​մտածում եք այն վայրերի մասին, որոնց հետ կապ ունեք, ապա շատ սուբյեկտիվ և շատ անձնական մտերմություն ունեք այդ վայրերի հետ:

Այն, ինչ ես հարցնում եմ, “ որտեղ եմ ես? Ինչպե՞ս է այս վայրը գոյություն ունենում մեր հավաքական երևակայության մեջ:

Մտերմության այդ զգացումը, կարծում եմ, փոխադրական է: Դա գաղափար է ՝ կապված ֆենոմենոլոգիայի հետ, որն ավելի լավ բառի բացակայության պատճառով մի տեսակ նշանակալից երազանք է: Խոսքը ինչ -որ բանի վրա ինքներդ ձեզ նախագծելու և տարածության միջով անցնելու մասին է ՝ առանց անպայման ֆիզիկապես դրա միջով տեղաշարժվելու: Դա մի տեղ բնակեցնելու այլ եղանակ է, կամ մեկ այլ ասպեկտ, ասենք, մի տեղ բնակեցնելու: Եվ անթրոպոմորֆիզմն իսկապես կապված է մարդու մարմնի հետ ՝ տեղի հետ կապված: Ես ստեղծագործություններ եմ արել, որոնք բառացիորեն հղում են մարմնին, օրինակ, ես մի շարք աշխատանքներ եմ կատարել, որոնք վերաբերում էին Կուբայի շատ հատուկ գյուղական լանդշաֆտին ՝ Վիենալես անունով, և ես շատ ժամանակ եմ անցկացրել հենց Վիենալեսի քարանձավներում: Ես նկարեցի մի շարք նկարներ, որոնք քարանձավներից ներսից շրջանակված լանդշաֆտի այս տեսակետներն էին: Վերնագրված ստեղծագործությունը Վիենալես (արգանդի վզիկ) ենթադրում է, որ քարանձավի բացումը հղում է կանացի մարմնին: Այդ շարքի մեկ այլ քանդակային կտոր կոչվեց Վիենալես (մերկ պառկած). Չկա գործիչ, իմ աշխատանքը երբեք ինքնին փոխաբերական չէ, բայց այդ գործիչը միշտ ենթադրվում է, և հաճախ դու ՝ դիտողդ, լանդշաֆտում գործում ես որպես գործիչ: Մենք ունենք այս պայմանական հասկացությունը «կերպարը լանդշաֆտում», բայց իմ աշխատանքում ես փորձում եմ այլ կերպ հասկանալ, թե ինչ է դա նշանակում, մի զգացում, որ դու լանդշաֆտում ես, բայց լանդշաֆտը նաև քո մեջ է: Այս կերպ, լանդշաֆտը դառնում է մի բան, որը ամրագրված չէ, այն վայրի ձևավորումը, որը դուք կարծում եք, դառնում է սուբյեկտիվ և անընդհատ զարգացող:

Կույր երկիր (կանաչ հայելի) (մանրամասն), 2013. layersշգրիտ կտրված չժանգոտվող պողպատի երկու շերտ ՝ 46,5 x 70,5 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչը և Լեման Մոուպինը, Նյու Յորք և Հոնկոնգ:

LD. Որտե՞ղ են հատվում ձեր աշխատանքում դիտողներին այլուր տեղափոխելու և առկա միջավայրը փոխակերպելու գաղափարները:

TF: Աշխատանքը գործում է հուշման պես: Likeիշտ այնպես, ինչպես երբ իրական լանդշաֆտում եք, տեսածի կեսը իրականում այն ​​է, ինչ բերում եք դրան: Աշխատանքը խնդրում է լրացնել բացերը: Կրկին, ես ունեմ այդ փոխադարձությունը դիտողի հետ, բայց ստեղծագործությունը չի կարող միայն այդ ազդեցությունը ստեղծել: Կա մի տեսակ պատրաստակամություն ՝ մասնակցելու, այդ բանի վրա նախագծելու, փորձնականորեն ինչ -որ կարևոր բան բացելու համար:

Ինձ հաճախ հետաքրքրում են ականապատված նյութերը `նյութեր առանձին վայրերից: Օրինակ, իմ օգտագործած գրաֆիտը Շրի Լանկայից է: Ես օգտագործել եմ ոսկի, պիրիտ և երկաթի հանքաքար: Այս նյութերը բառացիորեն տեղերի մաս են: Նրանք ֆիզիկապես դուրս են բերվել որոշակի վայրերից ՝ այդ առումով իրական լանդշաֆտի մաս: Երբ ես ստեղծում եմ նոր պատկեր ՝ օգտագործելով այս հումքը, այն բեռնվում է միանգամից մեկից ավելի իրերի առկայությամբ: Այն միաժամանակ դառնում է այն բնանկարը, որտեղից այն առաջացել է որպես նյութ, այլ նաև երկրորդային պատկեր, որը ստեղծվել է, որը կարող է լինել բոլորովին այլ և անկապ: Այսպիսով, ես խաղում եմ այս հասկացության հետ, որ մենք միշտ միանգամից շատ տեղերում ենք, և որ մեր մտածած տեղը իսկապես մի տեսակ շերտավորում, կուտակում է բազմաթիվ վայրերի, անկախ նրանից ՝ դրանք ֆիզիկական են, թե երևակայական, կամ հիշեց.

Վիենալես (մերկ պառկած), 2015. Wakkusu ® Բետոն, բրոնզ և մալաքիտ, 48 x 64 x 101 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչը և Լեման Մոուպինը, Նյու Յորք և Հոնկոնգ:

Լ. Դ. Քո շատ քանդակներ հակադարձում են գաղափարներ իրենց առարկաների վերաբերյալ.Waterրվեժ գրեթե արդյունաբերականացված է իր եզակի արտադրանքով, մինչդեռ Դյուն սանդուղք է, որով բարձրանում ես ոչ վերևում: Թվում է, թե ձեր աշխատանքի ուսումնասիրած բնական տարրերը պահանջում են մարդկային ներկայություն ՝ լիովին հասկանալու համար: Մարդիկ ինչպե՞ս եք տեսնում մարդկանց որպես բնության մշտապես ներկա մաս:

TF. Եթե նայեք հին չինական լանդշաֆտի գաղափարներին, դրանք առանձին չեն դիտողից: Այնպես չէ, որ դու լանդշաֆտի մեջ ես կամ արտոնյալ կազմակերպություն ես, որը դիտում է քո շուրջը: Դուք ավելի շատ լանդշաֆտի ինտեգրված բաղադրիչ եք: Ինձ իսկապես հետաքրքրում է այն փոխադարձությունը, որ դուք միաժամանակ նայում եք լանդշաֆտին, բայց լանդշաֆտը նաև նայում է ձեզ: Իրականում դուք նույնպես ստեղծում եք այդ բնապատկերը, դուք հանդիսանում եք այն ամենի ակտիվ մասը: Ես այս գաղափարներն օգտագործում եմ իմ աշխատանքում, երբ կատարում եմ կայքի համար հատուկ տեղադրում, կամ երբ կատարում եմ այնպիսի աշխատանք, որը վերաբերում է որոշակի վայրի: Ինձ ոչ միայն հետաքրքրում են տեղի ֆիզիկական կոորդինատները, այլև այն հասկացությունը, որ մենք միշտ շատ ակտիվորեն տեղադրում և փնտրում ենք ինքներս մեզ, վերադասավորվելով մեզ տեղում: Կրկին, լանդշաֆտի գաղափարը այս ֆիքսված գաղափարը չէ, ավելի շատ իմաստ է, որ մենք անընդհատ բանակցում և վերաիմաստավորում ենք դրանում մեր ներկայությամբ: Այն դառնում է միաժամանակ և՛ բայ, և՛ անուն դիտելու միջոց: Այսպիսով, դուք ունեք ֆիզիկական տեղ, բայց նաև ակտիվորեն տեղավորում եք ձեզ տեղում:

Վինալես (մերկ պառկած) (մանրամասն), 2015. Wakkusu ® Բետոն, բրոնզ և մալաքիտ, 48 x 64 x 101 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչ և Լեման Մոուպին, Նյու Յորք և Հոնկոնգ:

LD. Կարո՞ղ եք մի փոքր խոսել կայքի համար հատուկ կայանքների ստեղծման ձեր գործընթացի մասին: Վայրի ո՞ր ասպեկտներին եք առավել հարմարեցված:

TF. Երբ ես զբաղվում եմ կայքի հետ կապված ինչ-որ բանով, ինքս ինձ հարցնում եմ. «Որտե՞ղ եմ ես»: Սա շատ պարզ հարց է, բայց նաև շատ բեռնված հարց է ՝ կախված այն բանից, թե ինչպես եք դա տալիս: Քանի որ պատմությունները շատ հակասական են և թեքված, ես հաճախ ինքս ինձ տալիս եմ այդ հարցը տեղի մասին. Որտե՞ղ են այդ կոորդինատները: Ինչ կա իմ շուրջը: Ի՞նչ կլինի, եթե երեք հարյուր ոտնաչափ ներքև փոս փորեմ, ի՞նչ կհայտնաբերեմ: Ինչ կա ինձանից վեր Այս հասկացությունը, որ լանդշաֆտը գտնվում է նաև ձեր գլխի հետևում և ձեր ոտքերի տակ և ձեր գլխի վերևում, այլ ոչ թե այն, ինչ մենք զգում ենք միայն ճակատում, նշանակում է, որ դուք նույնպես շարժվում եք տեղերով, երբ նրանք իրենց հերթին շարժվում են ձեր միջով:

Ես տեղին նայում եմ ոչ միայն որպես ֆիզիկական, այլև որպես երևակայական վայր: իսկապես մտածում եմ տեղերի և լանդշաֆտների մասին ՝ որպես մարդկանց պատմության, այլ ոչ թե որպես այս ստատիկ վայրերի: Մեկ դարից հաջորդ լանդշաֆտը կարող է բոլորովին այլ տեսք ունենալ, իհարկե, եթե այն գտնվում է քաղաքային միջավայրերի մոտ: Եվ մեծ մասամբ ֆիզիկական կայքի պատմության բազմաթիվ ասպեկտներ կարող են ամբողջովին անտեսանելի մնալ ներկայիս դիտողի համար:

Waterրվեժ, 2000. Ալյումին, պլաստմասսա, 144.09 x 144.09 x 335.83 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչ, In Arco, Torino and Lehmann Maupin, New York and Hong Kong:

Լ.Դ.- Ձեր աշխատանքներից շատերը հրաժարվում են սկզբնական և վերջնական կետի սահմանումներից, բայց Ֆատա Մորգանա հեռուստադիտողներին տվեց հստակ մուտք, վայր, որտեղ նրանք դարձան աշխատանքի մի մասը: Ձեր հասարակական տեղադրումներում ո՞ր պահին եք տեսնում, որ մարդիկ անցորդներից դիտողներ են անցնում արվեստի գործի մի մասի:

Այդ երեքն էլ համարում եմ փոխարինելի: Հետ Ֆատա Մորգանա (2015) Մեդիսոն Սքուեր Պարկում, օրական ավելի քան հիսուն հազար մարդ քայլում էր այդ այգով և կտորի տակով: Անկախ նրանից ՝ նրանք ընտրում էին դա, թե ոչ, նրանք նախագծվում էին կտորի վրա, ինչպես նաև նախագծվում էին ընդհանուր տարածքի վրա այլ ճանապարհորդների և անցորդների հետ: Այդ կոնկրետ նախագծի դեպքում կար ժողովրդավարացնող ազդեցություն այն բանի վրա, թե ինչպես եմ ես օգտագործում հանրային տարածքն ու հանրային տարածքը, և դա նշանակում էր, որ որպես անցորդ դու դիտողն էիր, և դու նաև արվեստի գործը: Արվեստը ոչ թե մետաղն էր, ոչ պողպատը, ոչ էլ հիմքերը, այլ այն դինամիկ մակերեսը, որը ստեղծվել էր մարդկանց հետ փոխազդեցության և փոփոխվող լույսի շնորհիվ: Այսպիսով, մեկ պահից մյուսը, կտորը կարող է բոլորովին այլ տեսք ունենալ: Նախագիծը գրեթե նման էր տիեզերքի բարոմետրին և փոխեց մթնոլորտային պայմաններն ու լույսը և դրա շուրջ բոլորը: Այն նման էր մեկ հսկայական հայելու ՝ հենց այդ վայրի և Նյու Յորքի քաղաքային գործունեության համար:

Դյուն, 2002. Ներկված ալյումին, ապակե ուլունքներ, 336 x 60 x 96 դյույմ: Հարգանքով ՝ նկարիչը և Լեման Մոուպինը, Նյու Յորք և Հոնկոնգ:

Լ. Դ. Ձեր աշխատանքը հետևողականորեն միահյուսում է մշակույթներն ու վայրերը, բայց, այնուամենայնիվ, ինչ -որ կերպ ներկայացնում է դրանք բոլորը: Ո՞ր վայրերն եք այցելել, որոնք ձեզ հատկապես զարմացրել են, և որ գիտեիք, որ պետք է որևէ տարր ներառեք ձեր աշխատանքում:

TF: Ես շատ եմ ճանապարհորդում կարիերայիս սկզբից: Ես երկար ժամանակ անցկացրել եմ պարզապես բնակության վայրեր տարբեր վայրերում, ուստի Japanապոնիան, իհարկե, ինձ համար շատ կարևոր վայր է, և իմ ձևավորման մեծ մասը լանդշաֆտի, այլ նաև մտերմության մասին, կարծում եմ, եկել է timeապոնիայում իմ ժամանակներից: Կան որոշ բնապատկերներ, որոնք կարևոր են ինձ համար, քանի որ ես այնտեղ ժամանակ եմ անցկացրել: Բալին ինձ համար կարևոր վայր է: Կուբան կարևոր վայր է, քանի որ այնտեղից է իմ ընտանիքը: Դա պատմականորեն շատ հարուստ բնապատկեր է ՝ լի մարդկային բարդ պատմություններով:

Արվեստի գործը չպետք է լինի այդ վայրերի նկարազարդումը: Իրականում ես ունիվերսալ զգայունություն ունեմ տեղերի նկատմամբ: Նկարիչ լինելու ամենահետաքրքիր բաներից մեկն այն է, որ իմ աշխատանքը հիմնված է այս շատ տարօրինակ եղանակի վրա `կապելու և կապելու այնպիսի բաների միջև, որոնք սովորաբար ոչ մի կապ չունեն միմյանց հետ: Ստեղծագործության մեջ կա մի տեսակ ունիվերսալություն, այնպես որ նույն բանում ես կարող էի վկայակոչել շատ եվրոպական կերպար կամ գաղափար, որը ծածկված էր ճապոնական շատ փորձից բխող ինչ -որ բանի հետ, ամերիկյան գրականության պատմական կտորով, որը ես կարդում էի այլ բանում: . Եվ այս հղումների հիերարխիա չկա, քանի որ ես չեմ պատկերացնում այդ բաներից որևէ մեկը, ես իրականում նրանց միջև կապեր եմ գծում ոչ ավանդական և շատ անձնական տեսապակի միջոցով:

Գիշերային գիր (հերոս և լեանդեր)2011 թ. Հարգանքով ՝ նկարիչ, Լեման Մոուպին, Նյու Յորք և STPI Սինգապուր:

LD. Այսպիսով, կասե՞ք, որ դա այնքան էլ մեկ փորձ չէ, որ դուք ունեք ձեր աշխատանքը քշող վայրում:

TF: Երբեմն դա շատ տարօրինակ փաստ կլինի մի վայրի մասին, օրինակ ՝ Բորուդեյլը, Անգլիա, օրինակ: Իմ քանդակը Ոչ ոքի ջրեր (Բորուդեյլ) (2009) հղում է Անգլիայի Բորուդեյլ քաղաքին, որն այն վայրն է, որտեղ գրաֆիտը հայտնաբերվել է 1500 -ականներին: Այդ մեկ փաստը, այն գաղափարը, որ մատիտները և, հետևաբար, գծագրերը, բառացիորեն ծագել են այս բնապատկերից, որը պարզապես ամուր գրաֆիտ էր ստորգետնյա: Այն միտքը, որ մատիտը, որով նկարում ես, կարող է գալ ֆիզիկական բնապատկերից, որտեղ կարող ես կանգնել այդ լանդշաֆտի վրա, և ամեն ինչ քո ոտքերի տակ լինի ամուր գրաֆիտ, ինձ համար դարձավ մեկ այլ կերպ ՝ մտածելու գծանկարչության մասին:

Երբեմն դա պարզապես մի յուրահատուկ մանրուք է, որն ինձ գրավում է որոշակի բնապատկերով: Կարևորը ոչ թե ակնհայտ մեծ բնութագրիչներն են, այլ այն տարօրինակ մանրամասները, որոնք առնչվում են այլ բանի, գոնե իմ մտքում: Հետահայաց ՝ աշխատանքը կատարելուց և այդ կապերը գծելուց հետո ես նրանց տալիս եմ ձև և զգայունություն: Բայց նախապես, իրականում շատ առեղծվածային և բարդ է այդ կապերը իրերի և վայրերի միջև գծելը. Դա իմ գործընթացի հնարամիտ, հայեցակարգային և դժվարին մասն է:


Teresita Fernández ’s Հզոր արվեստը դնում է Կարիբյան ծովի գաղութային բռնության շարունակական պատմություններ

Որոշ արվեստագետներ իրենց աչքն են ուղղում կյանքի մանրուքների վրա: Teresita Fern & aacutendez նրանցից մեկը չէ: Նրա արվեստը, նրա խոսքով, պայմանավորված է մարդկային վիճակի և ավելին իմանալու ցանկության հետ, ինչպես անցյալը շարունակում է ազդել ներկայի վրա: Ես միշտ հետաքրքրված եմ միայն ինձ համար. Որտե՞ղ եմ ես: Ի՞նչ է այս վայրը: Մեզանից շատերը նույնիսկ չգիտեն մեր սեփական պատմությունը, և նա ասաց.

Իր կարիերայի ընթացքում Fern & aacutendez- ը, որը ծնվել է Մայամիում ՝ աքսորի մեջ գտնվող կուբացի ծնողներից, իր վրա է վերցրել սովորել իր մշակութային տոհմը ՝ կենտրոնանալով Կարիբյան ծովի և նրա մտավորականների վրա, ինչպիսիք են կուբացի բանաստեղծ և փիլիսոփա Jos & eacute Mart & iacute, ճամայկացի արձակագիր Սիլվիա: Ուինթերը, սուրբ Լյուսի բանաստեղծ Դերեկ Ուոլքոթը և Մարտինիկուանում ծնված փիլիսոփա և Էակուտուարդ Գլիսանտը: Դա շարունակական հետազոտական ​​ծրագիր է ՝ իմանալու իմ ով լինելու մասին, և նա ասաց, որ նա, ինչպես նաև Կարիբյան ծովի բնիկների ջնջումը: & rdquo

Այս աղբյուրներից շատերը, միևնույն է, հեշտությամբ չեն երևում նրա քանդակների և տեղադրման աշխատանքներում, և նրա վերջին աշխատանքը որոշակի ազդեցություն է թողնում այդ ազդեցությունների վրա: Նոյեմբերին, Նյու Յորքում իր նոր անհատական ​​ցուցահանդեսին ընդառաջ, Բրուքլինի իր ստուդիայում սոցիալապես հեռավոր այցի ժամանակ, Lehmann Maupin պատկերասրահում, Fern & aacutendez- ը հիշեց իր անցկացրած ժամանակը Եվրոպայում ՝ արտերկրում քոլեջ սովորելու ծրագրի շրջանակներում և այնտեղի թանգարաններ այցելելու ժամանակ: Նա հասկացավ, որ թանգարաններում և տաճարներում ցուցադրված ամբողջ հարստությունը կարելի է գտնել Կարիբյան ծովի շահագործման և ստրկացված մարդկանց աշխատանքի շնորհիվ:

Ես իսկապես հետաքրքրվեցի, թե ինչպես կարող ենք ապագաղութացնել այն ձևը, որով մենք պատկերացնում ենք այս տարածաշրջանը, որը աշխարհի մեծ մասի համար այս ծայրամասն է, այս փոքրիկ իրը ՝ ինչ -որ բանի եզրին, որը հաճախ շատ գռեհիկորեն կապված է հանգստի կամ առողջարանների հետ, նա ասաց. Այս դրախտը, որտեղ իսկական մարդիկ ինչ -որ կերպ չեն & nbsp; դարձնում նկարը & mdashthey ​​& rsquore անտեսանելի: & rdquo

Իր Lehmann Maupin շոուի համար, որը վերնագրված է & ldquoMaelstrom & rdquo և հունվարի 23 -ին դիտվելուց հետո, Fern & aacutendez- ը ստեղծել է մի քանի նոր աշխատանք, որոնք վերաբերում են Կարիբյան ծովի գաղութատիրության պատմություններին, մասնավորապես ՝ Պուերտո Ռիկոյին: (Դրան զուգահեռ, նա նաև առաջարկում է “ վիզուալ շարադրություն ” միկրոսայթ ՝ աշխատանքները համատեքստավորելու համար և առաջարկում է լրացուցիչ ընթերցումներ, որոնք նա բնութագրել է որպես շոու ’ “ ՝ սոցիալական սոցիալական կառուցվածքի ներքո: ”) & ldquo Մենք հաճախ նման պայմանների մեջ ենք գաղութացման մասին պատմականորեն խոսելու եղանակ, կարծես թե դա վաղուց տեղի ունեցած մի բան է: Բայց Պուերտո Ռիկոն գաղութացման այս փորձն է, որն այդպես էլ չավարտվեց, - ասաց Ֆերն ու աակուտենդեսը ՝ այն անվանելով աշխարհի ամենահին գաղութը:

Պուերտո Ռիկոյի & rsquos շարունակվող գաղութային պատմությունը տեղեկացնում է շոուի & ldquoHurak & aacuten, & rdquo շոուներից մեկի մասին, որը բաղկացած է 20 6-ից 8-դյույմանոց վերացական խառը մեդիա կոլաժներից, որոնք Fern & aacutendez- ն ստեղծել էին այս տարվա սկզբին, միայնակ իր ստուդիայում ՝ համաճարակի և նախնական արգելափակման ժամանակ, Գործընթացը, որը նա բնութագրեց որպես «ldquocathartic»: (& ldquo Աշխարհի միակ վայրը, որտեղ փոթորիկներին փոթորիկ են անվանում, դա Կարիբյան ավազանն է, և ավելացրեց rdquo Fern & aacutendez):

Սերիայի յուրաքանչյուր աշխատանք կոչվում է պատմական փոթորկի և mdashMaria, Katrina, Paloma, նույնիսկ Teresita անուններով: Հատկանշական է, որ անունները կանացի են, և Fern & aacutendez- ը դա կապել են Ամերիկայում գունավոր կանանց հարկադիր ստերիլիզացման պատմական և շարունակական պրակտիկայի հետ, որը տեղի է ունեցել Պուերտո Ռիկոյում 1930 -ականներից սկսած: 1930-1970 թվականներին Պուերտո Ռիկայի կանանց 35 տոկոսը ստիպված ստերիլիզացվել է: Այդ կանանցից մի քանիսը նույնպես պարտավոր էին, հաճախ անգիտակցաբար, մասնակցել կլինիկական փորձարկումների, որոնք հանգեցրին հակաբեղմնավորիչ հաբերի ստեղծմանը: Այդ դեղերը հաստատվել են FDA- ի կողմից, քանի որ դրանք փորձարկվել են պուերտոռիկացի կանանց վրա,-ասաց նա:

Fern & aacutendez- ը, ով 2005 -ին արժանացել է MacArthur “genius ” կրթաթոշակին, ծանոթ է բժշկական փորձերի այս պատմությանը, քանի որ նրա մայրը դա զգացել է: Երբ մայրը 24 տարեկան էր, նա ստիպված եղավ հիստերեկտոմիա անել Միացյալ Նահանգներում: & ldquo Այն միշտ կոչվում էր որպես la operaci & oacuten, & rdquo Fern & aacutendez ասաց ՝ ավելացնելով, “

Բայց, ինչպես ասաց Ֆ. Էակուտերնանդեսը, դրանք ոչ միայն անցյալի սարսափելի հեքիաթներ են, այլև այսօրվա իրողություններ են, և դա վկայում է ICE կալանավայրերում հարկադրված ստերիլիզացիայի մասին վերջին տեղեկությունների կողմից, առաջին հերթին ՝ Կարիբյան ծովի կանանց մասին: Սերիան այս բոլոր բռնի դեպքերն ու կրկնություններն ընդունելու և դրանք դասավորելու միջոց էր ՝ դրանք ցնցելով այս բռնության և որոշ կանանց և rsquos մարմինների բռնության ու ապամարդկայնացման շուրջ: Սա Կարիբյան ծովի պատմության մի մեծ մասն է, - ասել է fern & aacutendez- ը:

Այն, որ վերջերս պարզ դարձավ ICE կալանավայրերում, նորություն չէ, և նա շարունակեց. “ Այն & rsquos նույնքան հին է, որքան գաղութացումը: Այն երբեք չի անհետացել: & rdquo Միասին վերցված ՝ Ֆերն ու աակուտենդեսը ասաց, որ ցուցահանդեսը շատ առումներով դառնում է բռնության դիմանկար: ”

Արեւադարձային փոթորկի պատկերը հայտնվում է ցուցահանդեսի մեկ այլ աշխատանքում, Կարիբյան տիեզերք (2020 թ.), 16 ոտնաչափ երկարությամբ վահանակ, որը պատրաստված է հազարավոր ապակեպատ կերամիկական թելերից, որոնք միասին ստեղծում են տարբեր պտույտների ստեղծած պատկեր, որոնք նմանակում են օդային քարտեզներին, որոնք ցույց են տալիս Կարիբյան ծովի վրա ձևավորված փոթորիկներ: Աշխատանքը միանգամից գեղեցիկ և գրավիչ և մդաշա գրավիչ ավերիչ ավերման պատկերում է:

Այդ շարժումը, որը դուք տեսնում եք, նման է պտտվող փոթորկի, - ասաց Ֆերն ու աակուտենդեսը: Եթե ​​այն փոքրացնեք մանրադիտակային մակարդակի, ապա այն կնմանվի այն ամենին, ինչ տեղի է ունենում ձեր մարմնում, և եթե այն պայթեցնեք, որ տիեզերքի պես ընդարձակ լինի, այն նման կլինի kyիր Կաթինին: & rdquo

Մեկ այլ շարքի համար, որը կոչվում է & ldquoBlack Beach (Unpolished Diamond), ” Fern & aacutendez- ը ստեղծել է երեք լայնածավալ աշխատանքների հավաքածու, որոնցից յուրաքանչյուրը պարունակում է հարյուրավոր ամբողջական փայտածուխ, վիսկիի տակառներից այրված փայտ և լավայի ժայռեր (այլ նյութերի հետ միասին) ), որոնք աշխատատար կերպով ամրացված են փայլեցված ալյումինի վահանակի վրա:

Քանի որ այս նյութերն ունեն իրենց ինքնությունը, նրանք “ չեն չեզոք, ” Fern & aacutendez- ը: “ Չի սիրում գնալ ներկերի խանութ, գնել մի փունջ ներկ, այնուհետև նկարել այրված լանդշաֆտի նկար: Ես իրականում այրված լանդշաֆտի պատկեր եմ կազմում իսկական այրված լանդշաֆտի կտորներով, որն արդեն ունի իր սեփական պատմությունը: Դա գրեթե նման է նրանց, որ հետապնդվող նյութեր լինեն: & rdquo

Նկարչի համար իր ստեղծած բնապատկերը պարունակում է հենց այն տարրերը, որոնք նախատեսվում է պատկերել, և, հետևաբար, այն սերտորեն կապված է այդ երկրում բնակվողների հետ: Դա իսկապես մարդկանց պատմության մասին է, և նա ասաց. Այն, ինչ ներկայացված է, ոչ միայն բնությունն է, այլ ինչ -որ ավելի & mdashan արվեստի գործ, որը գոյություն ունի որպես մարդկային էակների, իշխանության, սեփականության, նվաճումների պատմություն: Այն, ինչ մենք պատկերացնում ենք որպես բնապատկեր, սովորաբար պասիվ բան, որը պարզապես գոյություն ունի, իրականում շատ կառուցվածք է, որը ստեղծվել է ուժի և տեսանելիության հասկացությունների շուրջ: & rdquo


Ինչպես է արտիստ Թերեզիտա Ֆերնանդեսը գրաֆիտը վերածում հուշերի

Հեռվից ժամանակակից նկարչուհի Թերեզիտա Ֆերնը քանդակում է Գիշերային (հորիզոնական գիծ) կարծես արծաթագույն մոխրագույնի պարզ, ժամանակակից ուղղանկյուն է: Նկարչի խոսքերով և#8220, երբ ուղղակիորեն մոտենում ես, ոչինչ չես տեսնում, պարզապես պարզ մուգ մոխրագույն ուղղանկյուն: Բայց երբ սկսում ես շարժվել, կտորները դառնում են անիմացիոն: . . . Այն գրեթե այնպես է, կարծես պատկերը զարգանում է ձեր աչքերի առջև: ”

Առաջանում են գույնի և հյուսվածքի աստիճաններ ՝ ձևավորելով երեք հստակ հորիզոնական շերտեր: Առաջինը ՝ հարթ ու հարթ, երկինք է առաջացնում: Երկրորդը ՝ փայլուն ու հղկված, գլխով է անում ջուրը: Երրորդը ՝ կոպիտ և օրգանական, ներկայացնում է Երկիրը:

Հետևողականության տարբերությունները հնարավոր են դարձել Fern ández ’ -ի կողմից գրաֆիտի օգտագործմամբ, հանքանյութ, որը ձևավորվել է հազարավոր տարիների ընթացքում Երկրի և#8217 մակերևույթի տակ: Սմիթսոնյան ամերիկյան արվեստի թանգարանի կողմից արտադրված “Re: Frame, ” վիդեո շարքի նոր դրվագը ուսումնասիրում է գրաֆիտի ազդեցիկ դերը արվեստի պատմության մեջ և#8212 և Fern ández ’ ստեղծագործություններում:

“Teresita Fern ández- ը շատ առումներով գիտաշխատող է և նա նաև կոնցեպտուալ արտիստ է, և ասում է,

Fern ández- ը ծնվել է Մայամիում 1968 թ. 2005 -ին նրան շնորհվեց MacArthur “Genius ” դրամաշնորհ, իսկ 2012 -ին նախագահ Օբաման նրան նշանակեց ԱՄՆ գեղարվեստի հանձնաժողով: Նրա քանդակները և տեղադրումները կարելի է գտնել աշխարհի թանգարաններում, ներառյալ Սմիթսոնյան ամերիկյան արվեստի թանգարանը:

Fern ández ’- ի աշխատանքը կենտրոնանում է բնական աշխարհի վրա, որը նա ուսումնասիրում է ՝ օգտագործելով ոչ ավանդական մեթոդներ և նյութեր: Նա ստեղծել է ամպային գոյացությունների, հրաբխային ժայթքումների և ջրային մարմինների պատկերներ, և ասում է Ռամոսը: Շատ դեպքերում նա օգտագործում է նյութերի լայն տեսականի ՝ ստեղծելու այս պատրանքները, որոնք փորձ են դառնում դիտողի համար: ” Ստեղծելու համար Գիշերային (հորիզոնական գիծ), նկարիչը ուսումնասիրեց անսպասելի նյութի `գրաֆիտի նյութական հատկությունները:

Լանդշաֆտի զարգացումը որպես գեղարվեստական ​​ուղղվածություն և դրա կապը նյութական գրաֆիտի հետ ոգեշնչման աղբյուր հանդիսացան Գիշերային (հորիզոնական գիծ) ըստ Teresita Fern ández. (SAAM, © 2010, Teresita Fern ández, 2012.38A-C)

“ Գրաֆիտը բնական հանքանյութ է: Այն հանդիպում է Երկիր մոլորակում և տիեզերքում, և այն ձևավորվում է հենց ածխածնի տարրից,-ասում է Լիզ Կոտրելը, Վաշինգտոնի Սմիթսոնյան բնական պատմության թանգարանի ժայռերի և հանքաքարերի պատասխանատու:

“ Մարդիկ, կենդանիները և բույսերը կազմված են ածխածնից: Մենք ՝ մարդիկ, ածխածնի վրա գերակշռում ենք կյանքի ձևեր, և երբ մենք մահանում ենք, մեր մարմիններն ու հյուսվածքները քայքայվում են, և Երկրի վրա ջերմության և ճնշման տակ օրգանական ածխածինը վերածվում է գրաֆիտի, և ասում է Կոտրելը:

Չնայած հաճախ շփոթում են կապարի հետ, մեր մատիտների վերջում աշխատող ձիու նյութը իրականում գրաֆիտ է: Ըստ Կոտրելի, “ գրաֆիտը չափազանց փափուկ է, և դա պայմանավորված է նրանով, որ ածխածնի ատոմները դասավորված են հարթավայրերում, թերթերի մեջ, և այդ թերթերը պարզապես քանդվում են այն շփելիս: ”

Գրաֆիտը 16-րդ դարից հայտնի արվեստ ստեղծող նյութ է: Այն Վերածննդի դարաշրջանի վարպետ Լեոնարդ դա Վինչիի սիրելին էր, ով գրաֆիտով ստեղծեց արևմտյան արվեստի պատմության ամենավաղ “ լանդշաֆտները:

Մինչև Դա Վինչիի ժամանակները, արվեստագետները բնությունը համարում էին արվեստի ստեղծագործության առարկա և#8212 առարկա: Դա Վինչին առաջիններից էր, ով ստեղծեց գծեր, որոնք առաջին պլան էին մղում բնությունը ՝ նշելով լանդշաֆտը, այլ ոչ թե մարդկային քաղաքակրթությունը: Գրաֆիտի հետ կա այս խորը կապը, որը կապված է մատիտների և լանդշաֆտների պատկերման հետ, և ասում է Ռամոսը:

“ Գրաֆիտի ամենահայտնի վայրերից մեկը պատմականորեն գտնվում է Անգլիայում: . . որտեղ մատիտներն առաջին անգամ են մշակվել, և ասում է Կոտրելը: Բորուդեյլը, Կումբրիայի շրջանում, հատկապես հայտնի դարձավ Վերածննդի դարաշրջանի արվեստագետների շրջանում իր բարձրորակ ավանդների շնորհիվ: Նույնիսկ նախքան դա Վինչին սկսեց նկարել կումբրիական գրաֆիտով, անգլիացի հովիվներն այն օգտագործեցին ՝ իրենց ոչխարների բուրդը նշելով ՝ իրենց հոտերը ճանաչելու համար:

Լանդշաֆտի զարգացումը որպես գեղարվեստական ​​ուղղվածություն և դրա կապը նյութական գրաֆիտի հետ ոգեշնչման աղբյուր հանդիսացան Գիշերային (հորիզոնական գիծ). Որպես նկարիչ, որի աշխատանքը կենտրոնացած է բնական աշխարհի վրա, Ֆերնանդեսը գրավեց ֆիզիկական դիրքը և նյութը, ինչը ոգեշնչեց այն ժանրը, որը նա շարունակում է ուսումնասիրել:

Teresita Fern ández կենտրոնանում է բնական աշխարհի վրա, որը նա ուսումնասիրում է ՝ օգտագործելով ոչ ավանդական մեթոդներ և նյութեր: (Noboru Morikawa, Wikimedia Commons)

Մինչ դա Վինչին գծագրում էր գրաֆիտի մատիտով, Fern ández- ը քանդակում է հենց գրաֆիտով: Նրան իսկապես հետաքրքրեց նկար ստեղծելու այս գաղափարը, որի նյութը ինտիմ և ամբողջովին ինտեգրված է իր ստեղծած պատկերին, և ասում է Ռամոսը:

Բայց Fern ández- ը չի պատկերում Borrowdale- ում Գիշերային (հորիզոնական գիծ)— կամ որևէ կոնկրետ լանդշաֆտի:

Երբ մտածում եք Թոմաս Մորանի և Ֆրեդերիկ եկեղեցու 19 -րդ դարի պատմական բնապատկերների մասին, դրանք ներկայացնում են շատ կոնկրետ վայրեր, այնպես չէ՞: Անկախ նրանից դա Կոլորադոյի անջրպետն է, թե Ավրորա Բորեալիսը, և#8221 ասում է Ռամոսը: Երբ նայում ես այս աշխատանքին, այն մի տեսակ ընդհանուր զգացում ունի: ”

“Teresita Fern ández- ը շահագրգռված չէ որևէ վայրի պատկերով, բայց իրոք շահագրգռված է մեր անձնական ասոցիացիաների, այցելուների և#8217- ի անձնական ասոցիացիաների ստեղծմամբ `իրենց իսկ ընտրած վայրով, և ասում է Ռամոսը:

Արվեստի դարավոր պատմության և երկրաբանական գործընթացների հազարամյակների վրա հիմնված ՝ Teresita Fern ández ’s քանդակը Գիշերային (հորիզոնական գիծ) ի վերջո, այն անձնական փորձի մասին է, որը հիշեցնում է աստղային փոշին: Նրա կողմից գրաֆիտի օգտագործումը քանդակը կապում է հողի հետ, սակայն դրա յուրահատկության բացակայությունը թույլ է տալիս դիտողներին նախագծել իրենց պատկերացումները ՝ կամ պատկերացրած, կամ հիշված, նրա փայլփլուն մակերեսի վրա:

“ Երբ ես նայում եմ դրան, ես մտածում եմ, թե երբ էի ապրում Չիկագոյում և իմ բոլոր զբոսանքները ՝ նայելով Միչիգան ​​լճին: Դա ինձ համար այդ փորձն ունի: Չնայած այն չի պատկերում Միչիգան ​​լիճը, այն առաջացնում է այդ հիշողությունը իմ անձնական պատմության մեջ, և ասում է Ռամոսը:

Teresita Fern ández '2010 թ Գիշերային (հորիզոնական գիծ) գտնվում է Վաշինգտոնի Սմիթսոնյան ամերիկյան արվեստի թանգարանի երրորդ հարկում ՝ Դ.

Մելիսա Հենդրիկսոնի մասին

Մելիսա Հենդրիկսոնը Re: Frame սմիթսոնյան ամերիկյան արվեստի թանգարանի վեբ շարքի հաղորդավարն ու համահեղինակն է, որտեղ նա նաև մեկնությունների և լսարանի հետազոտությունների մասնագետ է:


EXՈHԱՀԱՆԴԵՍԻ ուղեցույց

Տերեսիտա Ֆերնանդես. Տարրական միջազգայնորեն ճանաչված ամերիկացի նկարչուհի Թերեզիտա Ֆերնանդեսի (ծն. 1968 թ., Մայամին բնակվում է Նյու Յորքում) առաջին կարիերայի հետահայացքը: Ֆերնանդեսը կոնցեպտուալ արտիստ է, որն առավել հայտնի է իր սուզվող ինստալյացիաներով և քանդակներով և հանրային արվեստի հուշարձաններով: Նրա հայեցակարգային վրա հիմնված աշխատանքը հիմնված է լանդշաֆտի պայմանական սահմանումների մարտահրավերների վրա `ապակառուցելով բնանկարչության և Լենդ արվեստի ավանդական ժանրերը` ավելի հրատապ պատմություններ բացահայտելու համար: Ֆերնանդեսը հատկապես կարևորում է նյութերի իր քննադատական ​​ընտրությունը, ինչպիսիք են ոսկին, գրաֆիտը, փայտածուխը և այլ օգտակար հանածոներ, որոնք ունեն բարդ պատմություններ, որոնք հաճախ կապված են գաղութատիրության, հողի և իշխանության հետ:

© 2019 Պերեսի արվեստի թանգարան Մայամի

«Լանդշաֆտը հաճախ ավելի շատ վերաբերում է նրան, ինչ դու չես տեսնում, քան այն, ինչ տեսնում ես:

Ես սկսում եմ ինքս ինձ տալ այս շատ պարզ հարցը. Որտեղ եմ ես? Պատմակա՞ն, տնտեսական, սոցիալական, ռասայական, աշխարհագրական, տեսողական, հուզական և ֆիզիակա՞ն:

Տերեսիտա Ֆերնանդես
ՆԵՐԱՈԹՅՈՆ

Տերեսիտա Ֆերնանդես. Տարրական կազմակերպվում է որպես փորձարարական տեղադրումների շարք, որտեղ ներկայացված են վերջին 20 տարիների ընթացքում կատարված բազմազան աշխատանքներ: Այս միջավայրերը հեռուստադիտողներին հրավիրում են շփվել մի շարք «բնապատկերների» հետ `փորձելով հուշել ինքնության և անձնական պատմվածքի մասին խորհրդածությունը` տեսանելիության, նյութականության և միահյուսված սոցիալ -քաղաքական պատմությունների հանգիստ քանդման միջոցով: Նոր քանդակի հետ մեկտեղ Երգչախումբ (2020 թ.), Ցուցահանդեսն առաջին անգամ միասին ցուցադրում է Ֆերնանդեսի քանդակագործական ամենակարևոր աշխատանքներից մի քանիսը և նրա հազվադեպ տեսած գծանկարների ներկայացումը, որոնք մտերմիկ տեսք են տալիս նրա գեղարվեստական ​​պրակտիկային: Ավելի նոր շարք, ինչպիսիք են Կրակ (Ամերիկայի Միացյալ Նահանգներ) (2017–19) և Վիենալես (2015–19), անդրադառնալ լանդշաֆտի քաղաքական և սոցիալական բարդություններին:

Որպես ամբողջություն, Տարրական խնդրում է հեռուստադիտողներին դիմակայել հաստատված պատկերացումներին, թե ովքեր են նրանք `ավելի խորը հասկանալով, թե որտեղ են նրանք, միևնույն ժամանակ առաջարկելով հարուստ, տեսողական շլացուցիչ արվեստի գործեր, որոնք վերաբերում են տիեզերքին, ստորերկրյա, բնական երևույթներին և բնական աշխարհի շոշափելի գեղեցկությանը:

Այնուամենայնիվ, նկարչի կողմից կրակի պատկերների օգտագործումը վերջերս առաջարկում է ավելի հրատապ, սպառնալից պատմվածք: Կրակ (Ամերիկա) (2016–19) բաղկացած է մի քանի աշխատանքներից, որոնք հարց են տալիս, թե ինչպես է ամերիկյան բռնությունը ձևավորվում ըստ պատմողի պատմողի: Այն նաև հղում է Ֆերնանդեսի հետաքրքրությանը, թե ինչպես են բնիկ մարդիկ ձևավորել և մշակել հողը կտրատման և այրման տեխնիկայի միջոցով `դրա կայունությունը խթանելու համար` բացահայտելով առասպելն ամերիկյան անարատ անապատի մասին `նախքան եվրոպական շփումները:

ՊԱՏԿԵՐԻ ՎԱՐԿԱՅԻՆ

Կրակ, 2005. Մետաքս, մանվածք, պողպատե արմատուրա և էպոքսիդ: Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

Նմանապես, Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

IMAGE CREDIT

Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

IMAGE CREDIT

Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) և Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

IMAGE CREDIT

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

IMAGE CREDIT

Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

IMAGE CREDIT

Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


Related story

A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

Click for full text

Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.